domingo, 29 de junio de 2014

Artículo KHROM: IDEA, COMPOSICIÓN Y ELABORACIÓN.

Buenas, hoy tengo el gusto de poder mostrar y sobre todo explicar mi último trabajo de pintura! La mini es un 54 mm de la marca Ares Mythologic, en concreto Khrom.
Tenéis un reportaje de unboxing de la figura en el siguiente enlace: Unboxing Khrom
Sobre el planteamiento de la composición y la idea quiero hacer una buena explicación, sobre todo para reafirmar lo que intento transmitir con la obra, o en el caso de que no lo transmita al menos que sepáis lo que intenté hacer.
Primeramente ante todo, las fotos finales. Es importante para mí que antes de leer todo esto veáis las fotos de la obra, y después de leer este artículo, saber si lo que transmite la figura desde un primer momento es lo que yo he intentado conseguir. Tenéis todas las fotos en el siguiente enlace.

FOTOSFINALES (enlace a la entrada con las fotos)



Para mí, el mundo del pintor de miniaturas está muy relacionado con el Arte, o yo al menos siempre lo he visto así, y sobre todo con la ilustración. Mis estudios siempre han estado también bastante unidos a el y en mi familia de igual forma está muy presente el gusto por la pintura, sobre todo en la figura de mi padre.

Pensando en una “idea” para el planteamiento, tengo claro que no quiero que sea una “obra técnica más” de mi colección como mis anteriores trabajos sino que vaya más allá. Primeramente lo que me transmite la figura es algo así como una especie de héroe mitológico, por lo que recuerdo en un primer momento algunos cuadros de esta temática. Me viene a la mente un cuadro de Velázquez, la fragua de Vulcano.



En este cuadro aparecen representados algunos personajes mitológicos iluminados con una luz fuerte y externa, con un cierto carácter divino que me parece bastante interesante. Representar a divinidades o personajes mitológicos con esta especie de luz divina que parece emanar del propio cuerpo de las figuras o del exterior es algo muy característico de muchos pintores, otro ejemplo en el que pensé fueron la serie de obras sobre los trabajos de Hércules de Zurbarán.



Siguiendo la idea de representar la figura con esta especie de luz divina se me plantea el problema de cómo hacerlo, y, sobre todo, que funcione en una obra en 3D. Está primera idea es desechada o más bien transformada en la siguiente, crear dos ambientes diferentes, el principal que sería la vista frontal de la miniatura con esa luz divina o celestial, y una segunda luz o ambientación totalmente opuesta a la otra, muy oscura y apagada que reforzaría el efecto de la luz frontal. La idea vendría a ser algo así como un gran rayo de luz que rompe un ambiente oscuro casi en penumbra o incluso casi nocturno.

Esta imagen la encontré posteriormente, una vez tenía ya toda la idea clara, buscando por google.


La idea la tengo, el problema que se presenta es como hacerlo, recurro de nuevo a otras obras, en este caso una escultura, El Éxtasis de Santa Teresa.
Es una escultura donde se crea ese efecto de luz celestial que inunda la obra. Es una escultura, no tiene color, únicamente los rayos de luz son dorados, y esto me da la idea clara (la imagen del rayo de luz que rompe las nubes, que representa mejor la idea, la encontré después).



La luz frontal será mucho más dorada o amarillenta para potenciar la idea (vista frontal un grado de saturación mucho mayor al posterior). Recurro a uno de mis referentes en cuanto a ilustración como es Frazetta, donde encuentro un tono de piel que me gusta bastante.


El estudio de la luz ha sido lo más importante de la obra. Para poder crear este efecto tenía claro cuál sería el proceso o idea fundamental. La luz o ambientación de la parte posterior sería la principal de la obra o más bien podríamos llamarlo luz predominante, por el contrario la luz frontal sería una luz con las características que ya he comentado y cuya función sería la de irrumpir o romper la luz predominante, es decir la dificultad está en crear el efecto de rayo de luz. Esto se resuelve de forma fácil (teóricamente hablando) la clave estaría en la intensidad de cada luz, me explico, la intensidad de la luz frontal tiene que ser bastante mayor que la posterior puesto que busco que sea una luz más fuerte, pero está luz frontal y más intensa no puede tener demasiada intensidad porque si no perderíamos el efecto de predominancia de la luz posterior, es difícil de explicar pero se trata de mantener el protagonismo idóneo de cada luz, para que la frontal cumpla su función de luz más intensa pero que no sea el ambiente predominante en la escena si no una luz que irrumpe en ella. También es importante que en toda la obra la intensidad del rayo de luz sea igual por todas partes, algo bastante complicado.

De forma un tanto radical, estaríamos hablando de crear una especie de tenebrismo mediante contrastes muy altos en la figura, por supuesto no sería un tenebrismo teóricamente hablando como el que conocemos en el Arte.

Entraríamos ahora en la composición de la escena.
El terreno sería algo normal, está hecho con milliput y para simular un terreno más rocoso o escarpado utilicé corteza de pino. Aprovechando la pierna izquierda adelantada de la figura, coloco dos salientes de la peana con trozos de corteza para crear un triángulo de composición entre el terreno y la figura como podéis ver en la siguiente imagen. También nos vale para enmarcar mejor la visión frontal. Posteriormente cubro todo el terreno con una mezcla de cola, agua y polvos de talco para dar textura y unificar todo el conjunto. El árbol es un trozo de raíz de tomillo y está colocado a un lado de la obra para dar cierta descompensación y a la vez compensación, queda colocado a ese lado para contrarrestar a la pierna adelantada de la figura y porque es el espacio más vacío de la obra. Sirve también para dar más verticalidad a la escena y que la figura no parezca que está totalmente en el centro de la obra (descompensación)



Sobre la elaboración.
Como podéis ver en las fotos de la figura, lo más complicado serían las partes de transición entre una luz y otra o entre un ambiente y otro (cálido y frío para reforzar el efecto), para ello recurro al amarillo (en concreto es un color ocre amarillento y amarillos dorados), es el color que se reparte por casi toda la composición, en la luz frontal será un amarillo con mayor cantidad de pigmento naranja, mientras que en la vista opuesta, será este color pero mezclado con azules. Con todo esto creo la escena jugando con Amarillos y azules sobre todo, y ocres (muy anaranjados) y verdes, de los que me sirvo para las zonas de transición, la luz amarilla cálida se transforma en fría con mayor cantidad de tonos verdes y azules. No he querido copiar ni representar ninguna de las imágenes al pie de la letra, son inspiraciones. 

El pelo fue lo que más quebraderos de cabeza me dio, junto con la piel de la que hablaré después. Gente que ha visto el resultado final en mano o el proceso me comentaron la idea de que habría sido mejor optar por un color menos arriesgado como por ejemplo un castaño o un pelirrojo, puede ser cierto, pero el juego que me daba el color rubio era muy superior a los demás, y, como se suele decir, de perdidos al río. Si era capaz de conseguir a que quedara bien, la obra ganaría mucha fuerza con un cambio tan brusco de colores.
El pelo, al igual que toda la figura, esta pintado por secciones o vistas, en cada vista diferente de la figura tengo que estudiar que luz llevará cada parte pero a la vez tengo que tener en cuenta el total de la obra.

Por otra parte la piel ha sido otro de los puntos más importantes en cuanto a problemas a resolver. Claramente la parte frontal sería un tono de piel saturado y amarillento, mientras que la posterior sería con tonos desaturados o apagados, y fríos. El problema lo encontramos de nuevo en la parte de unión de ambas luces. Encontré una nueva imagen de Frazetta que me vino muy bien.



Para el color base usé el color piel de Model Air de Vallejo, es un tono a mi parecer bastante intermedio para lo que quería conseguir; partiendo de esa base, estudio en qué puntos cada parte de la piel tendrá tonos fríos o cálidos y a partir de ahí voy añadiendo al color base los colores que marcaran cada ambientación o entonación. El tono base hace de unión, sobre todo por el contraste de temperatura, es decir este color de piel base tendrá una temperatura cálida porque tiene a su alrededor colores cálidos, y en la parte fría tiene una temperatura fría porque está rodeado de colores fríos, y en ambos es el mismo color, es decir, un color puede tener un contraste cálido o frío dependiendo de los colores que tiene alrededor. Para las zonas intermedias o de unión de ambos ambientes únicamente no meto prácticamente ningún tono al color base, es decir solo dejo el color de piel y ejerce una especie de función de tono neutro entre ambos tonos cálidos y fríos.

Comparación de las dos luces aplicadas en la pierna.


Finalmente explico el título, que para mí representa la introducción o presentación de la figura, pudiéndolo asemejar a la de un libro. El título es “Hijo de Dioses”, recreando con la figura y la luz divina a un hijo de dioses de la mitología. En el título queda recogido prácticamente toda la idea de la obra. Creo que para muchos artistas sus obras son como sus hijos, las ves nacer, y el parto de éste no ha sido precisamente fácil jaja

Espero que os guste, que lo que he escrito os ayude a ver la mini de otra forma y sobre todo que tenía ganas de expresar lo que puede ser para un pintor crear una obra, que para los que estamos en este mundillo sabemos de sobra lo que es, pero alguien externo por lo general desconoce completamente estas cosas. El texto se ha hecho al final bastante largo pero, al menos, de forma personal me siento muy bien de que todo esto haya quedado recogido por escrito. Estoy muy contento con el resultado final y sobre todo con la sensación de que he aprendido un montón pintándola, algo que para mi es es muy importante y satisfactorio, podría decir que ha sido una forma de poner en práctica muchos conocimiento adquiridos y a la vez asentarlos, algo que ocurre con pocas obras. Un saludo y cualquier pregunta o comentario es bienvenido por supuesto

4 comentarios:

  1. Me ha molado mucho esa búsqueda pictórica! Un saludo majete! Y sigue pintando cosas así de chulas!

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    1. Muchas gracias Luis, y muchas gracias por leerte el artículo que es lo que más agradezco! jeje un saludo!!

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  2. Esta genial David. Cuanto me falta todavía... je je. Yo cuando pinto no me planteo ni la mitad de las cosas que has explicado, supongo que a medida que cosa experiencia y práctica me lo iré planteando.
    Gracias!

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    1. Muchas gracias Ivan! más que nada es encontrar la inspiración, yo en este caso ha sido en las obras que menciono. Estoy deseando pintarme ahora una mini sencillita sin ninguna complicación jaja
      Un saludo!

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